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La Vie En Raw Cafe: No todo son rosas en La Vie En Raw

La Vie En Raw Cafe: No todo son rosas en La Vie En Raw


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A medio camino entre la Universidad Internacional de Florida y el centro de Miami, en un centro comercial indescriptible, se encuentra La Vie en Raw Cafe. El entorno es íntimo y artístico, con algunas mesas pequeñas (la capacidad del restaurante no puede ser más de 20), las paredes están adornadas con obras de artistas locales. La pequeña cocina está abierta y puedes ver cómo se preparan los alimentos.

Llegué a las 9:30 un viernes por la noche con un amigo, esperando que los asientos llenos descritos en el teléfono ocuparan toda la habitación. El restaurante estaba lleno para su tamaño, pero una camarera no llegó hasta diez minutos después de que nos sentamos. Pedimos limonada (jugo de limón recién exprimido, néctar de agave y agua filtrada; $ 3) y té helado de menta ($ 2) y solo después de recibir nuestras bebidas (otros diez minutos) nos dijeron que el restaurante estaba completamente sin hielo. La limonada tibia es una elección desagradable y ojalá nos hubieran informado antes.

Los champiñones rellenos ("champiñones marinados rellenos con nuestro cremoso queso de anacardo aderezado con pesto"; $ 7) se ordenaron como aperitivo y fueron una sabrosa introducción a la cocina cruda. Los champiñones eran carnosos y sabrosos, mientras que el queso de anacardo le recordaba a la ricotta, en cuanto a textura. El pesto tenía ajo y estaba bien equilibrado con el resto de los champiñones del tamaño de un bocado y el queso de anacardos.

También pedí la sopa cruda del día ($ 4, taza), que era un puré de aguacate, apio, aceite de oliva y otros condimentos variados. Una primera impresión de la sopa fue que era cremosa y ligera, con el sabor del apio añadiendo un toque verde a todo. Sin embargo, el plato era bastante plano y aburrido mientras seguía comiéndolo. Realmente solo probé el aguacate, el apio y el aceite de oliva y se volvió pesado y casi dulce a medida que seguía comiéndolo. Un poco de picante de aceite de chile o ajo podría haber servido mucho al plato.

Mi plato principal fue una historia diferente, que proporcionó una profundidad y un descubrimiento sorprendentes. La pizza cruda de Pisa ("servida en nuestro pan casero de lino y semillas de girasol y cebolla, con capas de queso de nueces, marinara, champiñones, tomates, espinacas"; $ 8) proporcionó variedad en textura y sabor. A pesar del pequeño tamaño de la pizza, el pan de lino era denso pero crujiente con trozos de linaza y semillas de girasol. La cebolla también agregó un poco de dulzura. El queso de nueces hizo otra aparición espectacular, sustituyendo a la mozzarella a veces rubí (y totalmente no vegana) que se encuentra en algunas monstruosidades de la pizzería. La marinara fue un poco olvidable, pero la adición de tomates, champiñones y espinacas recién cortados agregó dulzura, terroso y vitalidad al plato.

La Vie en Raw tiene un servicio potencial pero irregular y una sopa muy plana quita de lo que debería ser una experiencia más esclarecedora y emocionante para aquellos familiares y ajenos a la cocina cruda por igual.


La Vie en rose (película)

la Vie en rose (literalmente La vida en rosa, Pronunciación francesa: [la vi ɑ̃ ʁoz] [nota 1] Francés: La Môme) [nota 2] es una película musical biográfica de 2007 sobre la vida de la cantante francesa Édith Piaf. La película fue coescrita y dirigida por Olivier Dahan, y está protagonizada por Marion Cotillard como Piaf. El título de Reino Unido y EE. UU. la Vie en rose proviene de la canción insignia de Piaf. La película es una coproducción internacional entre Francia, República Checa y Reino Unido.

  • 8 de febrero de 2007 (2007-02-08) (Berlín)
  • 14 de febrero de 2007 (2007-02-14) (Francia)
  • 14 de junio de 2007 (2007-06-14) (República Checa)
  • 22 de junio de 2007 (2007-06-22) (Reino Unido)

La actuación de Cotillard recibió elogios de la crítica y le valió varios elogios, incluido el Premio de la Academia a la Mejor Actriz, lo que marca la primera vez que se otorga un Oscar por un papel en francés, el Premio BAFTA a la Mejor Actriz en un Papel Protagónico, el Globo de Oro por Mejor Actriz - Musical o Comedia Cinematográfica y Premio César a la Mejor Actriz en un Papel Protagónico. La película también ganó el Premio de la Academia al Mejor Maquillaje, el Premio BAFTA al Mejor Maquillaje, Diseño de Vestuario, Música de Cine, cuatro Premios César adicionales y recaudó $ 86.3 millones en todo el mundo.


1. Salatim en Saba

El restaurante israelí Saba, recientemente inaugurado por Alon Shaya, tiene mucho que adorar: pita cocinada a pedido, platos de hummus increíblemente decadentes y salatim. ¿Qué es eso, preguntas? Es la oportunidad de probar varios platos pequeños que son enormes en sabor y frescura: tres por $ 21 o cinco por $ 35. Aunque la selección cambia según la temporada, los pilares como las aceitunas marinadas en harissa, el labneh, las verduras en escabeche, las uvas rojas con cebollas en escabeche y piñones, y el tabbouleh siempre estarán a la altura. Todos son platos y salsas frías, por lo que bajan maravillosamente en el calor.


Álbumes recopilatorios de Buddha Bar

El Álbumes recopilatorios de Buddha Bar son una serie de álbumes recopilatorios ampliamente aclamada emitida por la franquicia de bar, restaurante y hotel Buddha Bar creada por el restaurador Raymond Visan y el DJ e interiorista Claude Challe [1] en París, Francia. Después de su creación, el Buddha Bar "se convirtió en una referencia entre los yuppies extranjeros y los turistas adinerados que visitaban la ciudad", [1] y "ha engendrado numerosos imitadores", [2] volviéndose popular en parte debido a la elección del DJ de ecléctico, vanguardista música garde. Se hizo conocido internacionalmente por publicar compilaciones populares de música lounge, chill-out y world music, también bajo la marca Buddha Bar, editadas por George V Records. Buddha Bar comenzó a publicar compilaciones en 1999 y desde entonces "se ha hecho un nombre con sus CD de música lounge Zen y sigue siendo un éxito, especialmente entre los turistas". [3]

En 2001, un Revista Billboard El crítico colocó la compilación entre sus "diez mejores eventos musicales" del año, y declaró al propietario Claude Challe que "[l] a legendario maestro de la música pop y dance en Francia ha despertado la atención de la comunidad chill-out mundial con esta serie de recopilaciones mixtas ", y concluye que" Buddha Bar no solo es un buen restaurante en Francia, sino también uno de los mejores experimentos musicales realizados en Francia en los últimos años ". [4] En una nota más crítica, el Manual de Oxford de Renacimiento Musical describe la música de la colección Buddha Bar como "cercana a mezclas parecidas a muzak sin componentes originales reconocibles ni estructuras nuevas claramente identificables". [5] Otro comentarista escribió:

Challe renunció a su asociación en 1993 y regresó a París, donde posteriormente abrió el internacionalmente aclamado Buddha Bar. . Al igual que Café del Mar, Buddha Bar también lanzó compilaciones de CD con música "lounge", "world", una empresa exitosa que sugiere las sorprendentes desigualdades asociadas con la mercantilización del arte del Tercer Mundo: mientras que las cintas de casete de la cantante paquistaní Nusrat Ali Khan son vendidos en la India por alrededor de US $ 1, las mismas canciones remezcladas en un CD de lujo de Buddha Bar tienen un precio en Occidente de alrededor de US $ 50. [1]

Challe compiló y produjo los dos primeros álbumes de Buddha Bar. A partir de entonces, la serie continuó con diferentes DJ, incluidos DJ Ravin, Sam Popat y David Visan (hijo del fundador de Buddha Bar, Raymond Visan). [6] The Buddha Bar también ha lanzado música original para sus álbumes, específicamente las canciones "Buddha Bar Nature" y "Buddha-Bar Ocean", compuestas y producidas por Arno Elias, el compositor de "Amor Amor" de Buddha Bar 2. y Amanaska. Este lanzamiento incluyó un DVD de imágenes de la naturaleza y el océano dirigido por Allain Bougrain-Dubourg.


Romance comercial y duradero

Louis Armstrong hizo de "La Vie en Rose" una de sus canciones emblemáticas. Artistas tan dispares como Grace Jones, Josephine Baker, Bing Crosby, Iggy Pop, Donna Summer y Andrea Bocelli lo han grabado. Letras como "Cuando me presionas contra tu corazón / Estoy en un mundo aparte / Un mundo donde florecen las rosas / Y cuando hablas, los ángeles cantan desde arriba / Las palabras cotidianas parecen convertirse en canciones de amor / Da tu corazón y tu alma para mí / Y la vida siempre será la vie en rose ", habló no solo a la atribulada París devastada por la guerra, sino a los sobrevivientes y personas de todas partes que abrazaron la noción romántica del amor. (ver referencia 4)


Eartha Kitt

Durante seis décadas, la artista estadounidense Eartha Kitt, que murió a los 81 años de cáncer de colon, fue una fuerza del espectáculo de la naturaleza. Comenzando como bailarina, pronto se sintió como en casa en el escenario y en el estudio de grabación y, aunque su medio natural siguió siendo el cabaret, también apareció en películas y televisión. Su presencia sensual y felina fue lo suficientemente extraordinaria: su impacto se intensificó al ser una mujer afroamericana abierta que estaba abriendo nuevos caminos.

Los datos oficiales de su nacimiento se establecieron recién en 1997, cuando desafió a un grupo de estudiantes a encontrar el certificado que la registra como nacida como Eartha Mae Keith en la ciudad de North, South Carolina. El nombre que tenía para su padre era William Kitt. Era un aparcero blanco que abandonó a la madre de Eartha. La indigente joven cherokee negra persuadió a los vecinos negros para que se quedaran con Eartha y su media hermana menor, Pearl. Pearl era de piel oscura y bonita, pero Eartha tenía el pelo rojo y tupido, que luego se tiñó, y la piel más clara la apodaron "esa chica yella".

Finalmente, su tía, Mamie Lue Riley, la llamó cuando tenía ocho años y le dio una casa en la parte puertorriqueña-italiana de Manhattan. Su relación era difícil, pero Mamie pagó las lecciones de piano para Eartha, además de acumular ahorros que conocía solo más tarde. Eartha llegó a creer que ella era realmente su madre biológica.

En el sur, Eartha ya había impresionado a la congregación de la iglesia local con su canto. En la escuela de Nueva York se ganó el respeto y la popularidad con su talento para leer en voz alta, y tuvo la suerte de tener maestros que estaban genuinamente interesados ​​en ella. También tuvo una buena acogida en los bailes caribeños locales, donde aprendió rutinas que la iban a ser útiles, no solo como animadora profesional, sino también para divertir a sus compañeros de trabajo cuando aceptaba trabajos en una fábrica.

Justo después de cumplir 16 años, audicionó, más o menos por accidente, para el Katherine Dunham Dance Troupe, cuyo estilo se basaba en el folclore afrocaribeño. Ganó una beca completa para estudiar ballet, así como la propia técnica de Dunham y su primera aparición en Broadway fue bailando en Blue Holiday con Ethel Waters y Avon Long. Dunham le dijo a "Kitty" que nunca sería una verdadera bailarina porque sus pechos eran demasiado grandes, pero que la eligió para la compañía que cada vez realizaba más giras por Estados Unidos, México, Sudamérica y Europa. Kitt asumió papeles en solitario, cantando y bailando. e hizo su debut cinematográfico, sin acreditar, en Casbah (1948).

Cuando la compañía Dunham estaba en París, a Kitt le ofrecieron su primer compromiso en un club nocturno en Carroll's, cuya formidable dueña lesbiana Fred le dijo a las camareras: "Esta no debe ser tocada". Kitt afirmó más tarde que no tenía ningún acto del que hablar en ese momento, aunque había estado en el club y había visto el espectáculo de Juliette Gréco. Sin embargo, rápidamente se convirtió en una sensación, y cuando Carroll's abrió un nuevo club, Le Perroquet, Kitt fue la atracción principal, con canciones en inglés, español y francés que preparó con la ayuda del líder de la banda cubana. Cantando C'est Si Bon por primera vez, olvidó las palabras y improvisó, con tal éxito que repitió su inventada lista de deseables, "abrigo de visón, gran coche Cadillac" y así sucesivamente, para siempre.

Entre los dos compromisos del club, Kitt fue elegido por Orson Welles como Helena de Troya en su versión teatral de la historia de Fausto, El tiempo corre (1951), compartiendo el protagonismo que se le podría arrebatar al propio Welles con Micheál MacLiammóir y Hilton Edwards. Si Welles pensaba que ella era "la mujer más excitante del mundo", reflexionó Kitt más tarde, era porque nunca se acostaron juntos. Él comió, ella vio que él hablaba, ella escuchó. Siempre fue una admiradora de los grandes hombres y se esforzó considerablemente por conocer a Albert Einstein y Jawaharlal Nehru.

Después de Le Perroquet, el próximo compromiso de Kitt en el club nocturno fue en el cosmopolita Karavansari de Estambul. Allí aprendió varias canciones turcas de oído, incluido Usku Dara, que luego grabó como su primer sencillo para RCA Victor. Cuando abrió en La Vie En Rose en Nueva York, afirmó cantar en siete idiomas. A pesar de una ingeniosa campaña de anuncios en los periódicos, que decían "Aprende a decir 'Eartha Kitt'", no fue un éxito y su contrato de dos semanas se rescindió después de seis días. Lo que sea que salió mal, la pérdida de La Vie En Rose fue la ganancia de Village Vanguard, y un breve compromiso en su club hermano, The Blue Angel, se extendió a 25 semanas. Fue descubierta por el productor de una revista musical de larga data. Para New Faces de 1952, cantó Monotonous mientras se arrastraba como un gato de un sillón a otro. A partir de entonces, a Kitt le resultó difícil prescindir de al menos uno de esos muebles, y para un Royal Variety Performance en la década de 1960, apareció en él a través de la trampilla del escenario. Kitt se convirtió en la estrella indiscutible de New Faces, y una versión cinematográfica siguió en 1954. A fines de ese año protagonizó Mrs Patterson, su primer gran éxito de Broadway, y se enamoró de Arthur Loew Jr, heredero de una cadena de cines. Los sentimientos eran mutuos, pero la aventura nunca llegó a nada porque su madre se opuso.

En Londres, Kitt había aparecido brevemente en Churchill's a principios de la década de 1950, pero realmente llegó con su acto en el Café de Paris, con un vestido de satén de seda color aguamarina diseñado por Pierre Balmain. Lord Snowdon la fotografió.

La década de 1950 fue la década dorada de los éxitos récord de Kitt. Después de Usku Dara vino Monotonous, I Want To Be Evil y Santa Baby, entre otros, que establecieron la imagen de un gatito sexual burlón y burlón. Grabó Just an Old Fashioned Girl, la canción que se convirtió en su tema característico en Gran Bretaña, en 1955, pero Thursday's Child y The Day That the Circus Left Town, grabadas poco después, dijeron más sobre ella.

Ha habido muchos intentos de describir la extraordinaria voz de Kitt. Kenneth Tynan se equivocó cuando habló de su vibrato, porque ella casi no lo usaba. Aunque cultivaba un temblor para obtener un efecto especial, su tono era notablemente limpio y lo doblaba, muy a menudo de manera aguda, con lenta deliberación. Dijo que entendía todo lo que su voz podía y no podía hacer. Tocó un áspero registro de pecho contra un arrullo de falsete, y mientras saboreaba su sonido, experimentaba con distorsiones verbales.

El estilo distintivo de Kitt le dificultaba desarrollar su carrera y diversificarse. Si ella no era 100% ella misma, te sentías engañado. Sin embargo, nunca dejó de intentarlo. Sus películas incluyen Mark of the Hawk (1957), St Louis Blues (con Nat King Cole, 1958), Anna Lucasta (con Sammy Davis Jr, 1959) y Saint of Devil's Island (1961), Synanon (1965) y Dragonard (con Oliver Reed, 1987). Aparte de muchas apariciones de celebridades en televisión, encontró un papel hecho a medida: Catwoman en Batman (1967-68). Apareció en Broadway, en Shinbone Alley (1957) y Timbuktu (1978), un musical completamente negro basado en el exitoso programa Kismet. En Londres interpretó a la señora Gracedew en The High Bid (1970) de Henry James y el papel principal en Bunny (1972).

En 1988, su aparición en Sondheim's Follies en el Shaftesbury Theatre de Londres (pasó la mayor parte posando elegantemente con un abrigo largo de visón hasta que detuvo el espectáculo con I'm Still Here) llevó al año siguiente a su primer espectáculo individual, Eartha Kitt. en concierto. Haciendo cabriolas con tres niños de juguete, estaba bastante tan lissom como siempre, e incluso más exagerada. En Manchester, incluso probó el panto, como el genio de la lámpara en Aladdin.

También en 1989 apareció su autobiografía, I'm Still Here: Confessions of a Sex Kitten. Vuelve a contar y actualiza sus memorias anteriores, cuyo primer volumen, Thursday's Child, se publicó en 1956 y un segundo, Alone With Me, seguido 20 años después. I'm Still Here termina con la lucha de Kitt por llegar a un acuerdo con el matrimonio de su única hija, Kitt, de quien era ferozmente posesiva. Su propio matrimonio con el padre de Kitt, Bill McDonald, en 1960, solo había durado cinco años.

Kitt no se molestó en que lo que más necesitaba, después del amor de su hija, era el aplauso de un público: una vez la vi dar todo lo que tenía por lo que era prácticamente una casa vacía, en el New Theatre de Oxford. , una matiné de un día de la semana.

Parecía casi perder a su público estadounidense después de molestar a Lady Bird Johnson al decir lo que pensaba sobre la guerra de Vietnam en un almuerzo de 1968 en la Casa Blanca. La CIA la describió como "una ninfómana sádica". La pérdida temporal de Estados Unidos fue la ganancia de Gran Bretaña, con Kitt recorriendo clubes de variedades en el norte de Inglaterra. En el extremo cultural opuesto, hizo dos extraordinarias apariciones en conciertos en Londres con Richard Rodney Bennett, como pianista y arreglista, y el Nash Ensemble, cantando canciones de Kurt Weill, Cole Porter y otros estándares estadounidenses.

Los intentos ocasionales de Kitt de adaptarse a los tiempos, incluso se sumergió en el funk disco, tuvieron un éxito calificado. En 1984 volvió a las listas de éxitos con Where Is My Man y I Love Men. No necesitó actualizarse, y una grabación en vivo de un concierto que dio con músicos de jazz en Wuppertal, Alemania, en 1992 demuestra que es mejor darle un formato ajustado, nunca mejor que en los impecables arreglos de Henri René y su orquesta. En dias tempranos. Un álbum llamado I'm Still Here salió el mismo año que el libro y, en 1993, Rollercoaster publicó una compilación de cinco discos que representa todo su repertorio hasta la fecha. Su álbum Back in Business (1995) hizo una apuesta por lo universal vistiendo viejos favoritos de Porter, Rodgers y Hart, Duke Ellington y Weill, sin mencionar Moon River de Henry Mancini, con suntuosos arreglos de jazz de gran producción. Uno de los más sencillos es el clásico de la depresión de la década de 1930, Hermano, ¿puedes ahorrar una moneda de diez centavos? Con el desafío que nunca la abandonó, Kitt suena fiel con una ira pura.

En 2000 prestó la voz de Yzma para la animación de Disney The Emperor's New Groove, y no se dejó intimidar por el diagnóstico de su cáncer en 2006. The Guardian la encontró una "intérprete asombrosamente vivaz" en el Shaw Theatre, Londres, en 2007, donde le dijo a su audiencia: "Puede que tenga 80 años, pero todavía estoy ardiendo", y su actuación en el festival de jazz de Cheltenham en abril pasado fue grabada en DVD. Su último concierto se produjo en octubre, con la Orquesta Sinfónica de Virginia, después de lo cual contribuyó a un especial de televisión que se emitirá en la cadena estadounidense PBS en febrero.

Le sobreviven su hija y sus nietos.

Eartha Mae Kitt, cantante y animadora, nacida el 17 de enero de 1927 murió el 25 de diciembre de 2008


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¡Viva 'La Vie Boh & egraveme' !: Una historia oral de la Alquiler Final del acto 1

Levantamos nuestra copa, apostaste tu culo, a La Vie Boh & # xE8me.

Con este brindis inmortal, Mark Cohen inicia el final del Acto 1 de Alquiler, el alegre y entusiasta tributo a la vida bohemia que es una de las variedades más alucinantes de letras de despedida y una lista de referencias culturales jamás puestas a la música.

Desde las primeras lecturas del musical ganador del Premio Pulitzer, & # x201CLa Vie Boh & # xE8me & # x201D fue parte de la celebración más cercana al acto (y una Nochebuena muy agitada). Evolucionó a medida que Jonathan Larson diseñó el espectáculo desde las representaciones del desarrollo hasta el Off Broadway y Broadway, pero la canción siempre siguió siendo una parte esencial del tejido de Alquiler. Hoy en día, se convierte en un himno icónico para los niños del teatro y cualquier persona fuera de la corriente principal.

En honor a la Alquiler & # x2019s 24 aniversario, llamamos a gran parte del elenco original y del equipo de producción para averiguar cómo esta oda a ser un nosotros por una vez entró en los anales de la historia del teatro musical.

Siguiendo el marco de la ópera original,La Boh & # xE8me,Alquiler cierra su segundo acto con & # x201CLa Vie Boh & # xE8me. & # x201D Cuando se reunió el equipo de producción y el elenco, la canción causó un gran impacto con su vertiginosa lista de referencias culturales, lenguaje crudo y letras retorcidas.

MICHAEL GREIF (Director): La primera vez que escuché canciones del programa fue en un avión, y mucho material me agitó mucho.

BILLY ARONSON (Co-creador y dramaturgo): [En La Boh & # xE8me, Rudolfo] sale en el segundo acto para encontrarse con todos sus amigos en Nochebuena. Entonces esa escena estaba en la obra. Le di a [Jonathan Larson] un esquema en el que estaban todos en la mesa, todos juntos, todos conociéndose, pero esa fue su idea de tener esa canción allí.

TIM WEIL (supervisor musical): Jonathan imprimió la partitura original en un software de notación musical, y recuerdo que miré seriamente esas letras tratando de descifrarlas para poder entenderlas. Una vez que descubrí cuáles eran todas esas palabras, simplemente dije: & # x201C Esta es una de las listas de canciones más increíbles que he visto en mi vida. & # X201D

ARONSON: Desde el comienzo de nuestra colaboración, Jonathan pensó Alquiler sería & quot; nuestra generación & aposs Cabello. & # x201D Y me parece que la canción & quotLa Vie Boh & # xE8me & quot está inspirada en parte por Cabello, casi rindiéndole homenaje. En particular, Claude & aposs song & # x201CManchester England, England, & # x201D donde comienza a dejar caer todos esos nombres.

ANTHONY RAPP (Mark Cohen): En el otoño de & apos94, cuando hice lo que llamamos la producción de estudio, el primer día de ensayo me fui a casa y tenía cintas de casete de demos que Jonathan Larson había hecho. & # x201CLa Vie Boh & # xE8me & # x201D fue uno de esos. Quedé completamente inconsciente de inmediato.

MARLIES YEARBY (Coreógrafo): La celebración fue lo primero que escuché cuando escuché por primera vez & # x201CLa Vie Boh & # xE8me. & # X201D Escuché una verdadera celebración de la vida, la individualidad, lo que eres.

RAPP: Escuchar por primera vez & # x201C a maricones, lesbianas, lesbianas, travestis también A las personas que viven con, que viven con, que viven con, que no mueren de enfermedades, & # x201D fue realmente como un rayo de energía saliendo de mi pequeño boombox golpeando me. Fue realmente emocionante poder ser parte de un programa que estaba difundiendo eso en el mundo en un momento en el que la gente no estaba y apostaba declarando tales cosas con tanta valentía y alegría. Me encanta volver a abrazar esas palabras que se usan como epítetos.

DAPHNE RUBIN-VEGA (Mimi Márquez): Esas fueron cosas que no dijimos y apostamos, en particular, y luego, de repente, parpadeamos y lo decimos en Broadway.

ADAM PASCAL (Roger Davis): Mi primer pensamiento fue, & # x201CH ¿Cómo vamos a memorizar todas estas letras? & # X201D Y luego mi segundo pensamiento fue, & # x201CI don & apost sabe lo que la mitad de estas cosas significan. & # X201D

GREIF: Una de las primeras cosas que hice cuando pude ver realmente la letra fue una pequeña investigación sobre todas las personas que fueron nombradas como inspiraciones en la canción.

WILSON JERMAINE HEREDIA (Angel Dumott Schunard): Yo era un chico del club durante ese tiempo, así que estaba familiarizado con muchas de las referencias en la canción, pero pensé aquí y apostar una canción que se dirija 100 por ciento a mí y me sienta incluido.

RUBIN-VEGA: De hecho, conocía muchas de las referencias. Hablaba con una parte multicultural de mí. [Los clubes y los mencionados] eran lugares reales de la historia de los que yo tenía un conocimiento experimental. Esa es una de las razones por las que me contrataron. No me contrataron ni aposté porque era el mejor. Me contrataron porque sabía exactamente de qué estaban hablando.

RAPP: Estaba familiarizado con casi todos ellos. Recuerdo que 8BC era uno que necesitaba descubrir por mí mismo. Había un paquete completo que fue elaborado por nuestro dramaturgo y Michael Greif y Jonathan.

WEIL: De hecho, hicimos un gran glosario, como un folleto, de quiénes eran todas estas personas, qué son todas estas cosas, [por qué] importan, y la única persona o cosa que no sabía era la palabra & quot entropía & quot.

FREDI WALKER-BROWNE (Joanne Jefferson): Jonathan nos dio las referencias. Lo escribió todo. Fue asombroso. Él tenía toda una Biblia de trasfondo para nosotros. Todavía lo tengo en alguna parte. Eran las historias de fondo de todos los personajes, todas las referencias en & # x201CLa Vie Boh & # xE8me. & # X201D

RAPP: Recuerdo que, durante el proceso de ensayo, estaba recorriendo Nueva York, estando en las plataformas del metro y repasando la letra mientras esperaba el tren.

Originalmente, & # x201CLa Vie Boh & # xE8me & # x201D era incluso más largo de lo que es ahora, y el segundo acto terminó el & # x201CI Should Tell You. & Quot.

GREIF: & # x201CI debería decirte & # x201D fue el final del primer acto, cuando miré por primera vez el guión.

WEIL: La evolución fue básicamente que hicieron & # x201CLa Vie Boh & # xE8me & # x201D y luego hicieron & # x201CI Should Tell You, & # x201D y luego hubo una pequeña narración de Mark, una especie de epílogo.

GREIF: [Nosotros] reconocimos que necesitábamos encajar & # x201CI Should Tell You & # x201D dentro de & # x201CLa Vie Boh & # xE8me & # x201D para que el acto realmente termine con ese tipo de alegría.& # xA0

WEIL: Jonathan fue, & # x201CLet & aposs puso las primeras tres cuartas partes de & # x2018La Vie Boh & # xE8me & # x2019 primero y dobló & # x2018 I Should Tell You. & # X2019 & # x201D & # x201CI Should Tell You & # x201D fue sustancialmente más largo había un verso extra, el coro era el doble de largo. Parte de mi trabajo consistía en hacer que se sintiera como algo que y un interludio en un paquete mucho más grande, pero aún así una canción en sí misma. Ahora es una sola pieza, en lugar de una gran canción y luego una balada de amor y luego un epílogo.

GREIF: Hubo muchos, muchos más versículos que puedo e incluso recordar.

WEIL: Hay & # x2019s un segundo verso extra perdido del que estoy en posesión. Cuando estábamos en China, debido a la censura, tuvimos que eliminar algunas de las letras de & # x201CLa Vie Boh & # xE8me & # x201D, y las reemplacé por algunas de las letras del verso que se cortó. No eran tan gráficos o explícitos.

GREIF: [Reducirlo] fue una combinación maravillosa de cuál de esas inspiraciones significaba más para Jonathan y lograr que Jonathan entendiera de muchas maneras que menos podría ser más.

WEIL: Hubo una referencia a Nirvana.

RAPP: Recuerdo que Cannabis Citiva era una de las cosas de la lista, Baudrillard, Derrida, Bertolt Brecht. Era solo otra lista de cosas.

El elenco se reúne alrededor de una larga fila de mesas de metal y, liderados por Mark, comienzan a rendir homenaje a & # x201CLa Vie Boh & # xE8me & # x201D en un intento deliberado de ofender a Benny y a los inversores que comen allí. Cuando Mark comienza a cantar y bailar, los demás lo siguen.

GREIF: El concepto fue en gran medida la Última Cena. Debido a que se trata de un simulacro de velatorio por la muerte de La Vie Boh & # xE8me, parecía que eso podría ser apropiado. Nuestra maravillosa coreógrafa Marlies Yearby encontró una verdadera alegría en la naturaleza de presentación de esa primera imagen.

RUBIN-VEGA: Eso y aposs so la marca Michael & aposs, construyendo a partir de este tipo de lugar industrial o de metal. No se trataba de los muebles, se trataba de nosotros y eso fue muy liberador.

WALKER-BROWNE: Es tanto exposición como cualquier otra cosa. Tienen muchas cosas en la historia que se revelan a través de esa canción.

GREIF: Gran parte de la puesta en escena inicial se centró en hacer puntos para beneficio de Benny & aposs. Hubo un poco de peligro y un poco de determinación hasta que fue derrotado, y luego, hubo una celebración de su derrota.

AÑO: El baile de gestos en la parte superior de la canción I & # x2019 he llamado & # x201CThe Dis Dance & quot. Está inspirado en el trabajo del artista de graffiti Jean Basquiat y el Movimiento Dada. Es algo que todos hacen. Todo el mundo lo conoce como el ajetreo. Lo primero es comunicarle que vamos a hacer el baile con Benny.

WALKER-BROWNE: Se siente orgánico y espontáneo, pero está tan estructurado y fue tan deliberado.

AÑO: Si miras los movimientos del hombro en la parte superior, verás que [Idina Menzel, que interpretó a Maureen Johnson] nunca lo hace correctamente, pero eso es brillante para mí. Nunca traté de hacerla 100 por ciento correcta porque tenía una forma orgánica de ser ella misma en eso. Se sentía tan completamente real. Yo no quería la perfección.

GREIF: Realmente fue la mejor oportunidad de Anthony & aposs para pasar un buen rato cuando pasa gran parte del musical preocupándose y preocupándose y cuidando de todos. Fue su oportunidad para dejarse llevar y lucirse un poco. Gran parte de esa puesta en escena surgió de su imaginación realmente maravillosa y vívida.

RAPP: Recuerdo que me levanté sobre la mesa y luego estaba haciendo mi extraña cosa espástica. Me volví hacia Marlies y le dije: & # x201C ¿Puedes ayudarme aquí? & # X201D Y ella & apostaría, & # x201CNo, tú sí. & # X201D Eso fue empoderador. Si quieres que sea un tonto, seré un tonto.

AÑO: No quería el cuerpo perfecto para bailar. La peculiaridad de Anthony & # x2019 y su relación con el ritmo estaba muy fuera de ritmo, naturalmente. Debido a cómo vive en su cuerpo, hay & # x2019s esta pequeña cosa espasmódica, afilada y nerviosa que hace cuando canta. Aproveché eso y llevé la coreografía a ese lugar. Animé su forma poco convencional de moverse y hasta el día de hoy me encanta cómo su forma de moverse informó al personaje de Mark.

PASCAL: Las cosas que todos estamos haciendo en sincronía antes de subirnos a la mesa, con los hombros y señalando, todo eso fue coreografiado por Marlies. Pero una vez que estuvimos todos en las mesas, todo fue un estilo libre.

AÑO: Bailar sobre la mesa es un hecho. Se trata de una rebelión. Bailar sobre la mesa en un café & # xE9 definitivamente empuja los límites de lo muy conservador. No estás siendo conservador si estás saltando sobre la mesa y bailando.

RAPP: A medida que evolucionó, comenzó a esculpir y dar forma a los picos y valles, como cuando las personas eran altas o bajas, pero gran parte de esto estaba destinado a ser nuestras expresiones físicas de cómo nos movemos con la música.

HEREDIA: Ella no te impuso un movimiento. Ella decía: "¿Cómo te hace sentir esto? Dime qué te hace hacer este sonido. & # X201D Está bien, tenemos que ir desde aquí, desde el escenario hasta el centro del escenario, ¿cómo & apostaría pasará por allí?


Henry Anslinger y la Oficina Federal de Estupefacientes

In 1939, after singing her song “Strange Fruit,” Holiday received a warning from the Federal Bureau of Narcotics, a government agency which lasted from 1930 to 1968, to never sing the song again. Holiday refused and kept singing the song.

FBN commissioner Harry Anslinger believed Holiday to be the symbol of everything that America had to be afraid of.

“She had a heroin addiction because she𠆝 been chronically raped as a child and she was trying to deal with the grief and the pain of that,” Johann Hari, who wrote the book Chasing the Scream: The First and Last Days of the War on Drugs, told WNYC. 𠇊nd also, she was resisting white supremacy. And when she insisted on continuing on her right as an American citizen to sing &aposStrange Fruit,’ Anslinger resolves to destroy her.”

Anslinger was a widely known racist and made it his mission to take Holiday down for her drug and alcohol addiction and relentlessly pursued her all the way up until her death in 1959. 


The Deck at Island Gardens Arrow

Situated on the super-yacht marina on Watson Island about 15 minutes from South Beach, this spot is al fresco perfection. You've got views of Miami's downtown skyline far off, views of luxurious yachts up-close, and all is surrounded by azure water. It's basically the opening shot of every 2000s music video set in Miami. The brunch buffet is a family friendly standout. Its Mediterranean-influenced spread comes in at $65 per person, and offers multiple stations stocked with a variety of hot and cold plates. At the breakfast station you'll find made-to-order omelets and pancakes, and at the carving station hearty cuts of rib eye, roasted chicken, and salmon filets. The salads are fresh and creative, like roasted eggplant drizzled in tahini, sprinkled with pomegranate seeds, topped with tabouli, and mixed with marinated vegetables. The massive dessert display has dainty cupcakes, multi-layer cakes, pies, and brownies.



Comentarios:

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